Curatorial Essay by WE, CURATORIAL: Sylvie Ringer, Empowering Women through Art

Isa Katharina Hänsel

Founder and CEO
WE, CURATORIAL

GERMAN

Es gibt Zeichnungen, die sich nicht als Abbilder der Welt verstehen, sondern als tastende Vermessungen eines inneren Klimas. Bei Sylvie Ringer ist diese Qualität zentral. Ihre Arbeiten – Gefüge aus Linien, Schattierungen, Verdichtungen – scheinen weniger aus äußeren Motiven zu entstehen als aus einer Resonanz mit jenen Zwischentönen, in denen Wahrnehmung, Erinnerung und Emotion ineinandergreifen. Ihre Bilder öffnen Räume, die nicht erklärbar sind, aber erlebt werden können.

Ringers Praxis kreist seit Jahren um Naturformen, organische Strukturen, fragile Architekturen des Seelischen. Doch es wäre zu kurz gegriffen, sie als Naturzeichnerin zu lesen. Vielmehr begreift sie Natur als Denkfigur, als Spiegel innerer Zustände, als Reservoir von Metaphern – und zugleich als offenes System. In ihren Blättern verwandeln sich pflanzlich anmutende Gebilde zu Trägern psychischer Energie; Räume scheinen zu atmen, Linien sich wie Stimmen zu überlagern. Das Innere erscheint im Gewand des Äußeren – und umgekehrt.

Dass Ringer im Medium der Zeichnung ihre zentrale Ausdrucksform gefunden hat, ist kein Zufall. Die Linie ist bei ihr weder Kontur noch Umrandung, sondern Spur: eine Bewegung, die Wahrnehmung sichtbar macht. Oft wirkt es, als folge die Hand keinem Plan, sondern einem intuitiven Lauschen auf das, was sich im Material anbahnt. Pigment, Kohle, Tusche – sie werden zu Resonanzkörpern eines inneren Dialogs. Die Zeichnung ist hier ein Denkraum, kein Abbild; ein Ort, an dem Vieldeutigkeit präzise gehalten wird.

Inhaltlich nähert sich Ringer immer wieder der Frage, wie Innen- und Außenwelt verschaltet sind. Ihre Arbeiten erinnern an psychologische Modelle, die das Selbst als Konstellation begreifen: als Feld unterschiedlicher Anteile. Doch anders als analytische Modelle zielt Ringer nicht auf Diagnose oder Symbolik. Sie arbeitet mit der Offenheit des Poetischen, nicht mit der Eindeutigkeit des Zeichenhaften.

Zu den Stärken ihrer Kunst gehört, dass sich die Stimmung ihrer Blätter nicht festnageln lässt. Mal wirken sie wie Landschaften eines inneren Terrains, mal wie mikroskopische Vergrößerungen, dann wieder wie archaische Organismen. Diese Uneindeutigkeit ist nicht Effekt, sondern Ziel: Ringer entwirft Räume, die man nicht sofort versteht, sondern wirken lässt – Räume, definiert durch Atmosphäre statt Perspektive.

Gaston Bachelards Überlegung, dass Räume das speichern, was in ihnen schwingt, bietet einen Schlüssel zu Ringers Werk. Ihre Bilder tragen solche Schwingungen in sich – leise, verdichtet, mitunter von einem kaum wahrnehmbaren Druck durchzogen. Sie sind nicht narrativ, dennoch erzählerisch; nicht symbolisch, dennoch bedeutungsgesättigt. Jede Linie scheint eine Erinnerung zu berühren, die nicht benannt werden kann, aber spürbar bleibt.

So entsteht ein bildnerisches Universum, das weder rein introspektiv noch rein naturbezogen ist, sondern dazwischen existiert: ein Übergangsraum, in dem Äußeres und Inneres einander spiegeln. In dieser Schwebe liegt die besondere Qualität von Ringers Zeichnungen. Sie laden nicht zum schnellen Blick, sondern zum langsamen Sehen. Sie verlangen keine Interpretation, sondern ein Mitgehen – und eröffnen eine Wahrnehmung, die zugleich wach und verletzlich ist.

Ringers Werk erinnert daran, dass Kunst ein Ort sein kann, an dem die komplexen Bewegungen der Psyche eine Gestalt finden, die nicht fixiert, sondern gehalten wird. Eine Gestalt, die Raum schafft für das Unausgesprochene – für das, was zwischen den Linien lebt.

ENGLISH ( AI )

There are drawings that do not understand themselves as images of the world, but as tentative surveys of an inner climate. In Sylvie Ringer’s work, this quality is central. Her pieces—structures of lines, shadings, concentrations—seem to arise less from external motifs than from a resonance with those undertones in which perception, memory, and emotion interlace. Her images open spaces that cannot be explained, but can be experienced.

For years, Ringer’s practice has revolved around natural forms, organic structures, fragile architectures of the inner life. Yet it would be too narrow to see her merely as a nature draughtswoman. Rather, she understands nature as a figure of thought, as a mirror of inner states, as a reservoir of metaphors—and at the same time as an open system. In her sheets, plant-like formations become carriers of psychic energy; spaces seem to breathe, lines to overlap like voices. The inner appears in the guise of the outer—and vice versa.

It is no coincidence that Ringer has found her central form of expression in the medium of drawing. For her, the line is neither contour nor boundary, but trace: a movement that makes perception visible. Often it seems as though the hand follows no plan, but an intuitive listening to what begins to emerge from the material. Pigment, charcoal, ink—they become resonating bodies of an inner dialogue. Drawing here is a space of thought, not an image; a place where ambiguity is held with precision.

In terms of content, Ringer repeatedly approaches the question of how inner and outer worlds are interconnected. Her works recall psychological models that conceive of the self as a constellation: a field of different parts. Yet unlike analytical models, Ringer does not aim for diagnosis or symbolism. She works with the openness of the poetic, not the clarity of the sign.

One of the strengths of her art is that the mood of her sheets cannot be pinned down. At times they resemble landscapes of an interior terrain, at others microscopic magnifications, and then again archaic organisms. This indeterminacy is not an effect but a goal: Ringer creates spaces that are not grasped at once, but allowed to act—spaces defined by atmosphere rather than perspective.

Gaston Bachelard’s idea that spaces store what vibrates within them offers a key to Ringer’s work. Her images hold such vibrations—quiet, dense, at times permeated by a scarcely perceptible pressure. They are not narrative, yet they tell; not symbolic, yet saturated with meaning. Each line seems to touch a memory that cannot be named but remains palpable.

Thus emerges a pictorial universe that is neither purely introspective nor purely nature-bound, but exists in between: a transitional space in which outer and inner mirror one another. In this suspension lies the distinctive quality of Ringer’s drawings. They do not invite a quick glance but slow seeing. They demand no interpretation, only accompaniment—and open a perception that is at once alert and vulnerable.

Ringer’s work reminds us that art can be a place where the complex movements of the psyche take on a form that is not fixed, but held. A form that creates space for the unspoken—for what lives between the lines.